Hi I am Xia Ying. I do write, intrview, edit, filmmaking, and photography. I studied in University of the Arts London in 2021-2022, I was initially offered an MA Art and Lifestyle Journalism, and then I have transferred to my degree in MA Film and my specialism is producer. I am also a UK Albert Sustainable Production Certificate holder.

Before the UK, I worked for a communication-rooted sustainable fashion creative agency in Shanghai for 3 years as the founding member. I am engaged to organize and curate a number of Open Forum partnerships with Kering group, and Shanghai Fashion Week, as well as conceive sustainable-oriented strategy to the clients that commit to future-proofing cultural transformation, widely networking with NGO, galleries, corporations, fashion brands and artists worldwide. During that time, I was also a contributing journalist to Modern Weekly and Rayli Magazine to create pieces encompassing the field of lifestyle, design, music, art and youth culture.

The projects that I led include 1st edition of Green Series ‘Green Women Power 100’ by LOHAS magazine published by Meta Media China (Shanghai, 2021); and Mirth magazine, a platform bringing social media, on-set events, and in-print cultural publications for up-and-coming creatives across Europe (London, 2022-now). I collaborated with Canal Dream CIC in the Art Film section focusing on presenting an emerging art (London, 2023), as well as collaborated with Jingzhong Art Bookshop for programming the artist talk (Changsha, 2024).

I am now a contributing editor at Bazaar Art Park magazine by managing the art cinema column. I am exploring the contemporary art landscape and producing culture in enthusiasm. 

Write to me to talk about freelance commissions, cultural strategy, and event programming. I am also happy to be open to collaborate in photography and video production.






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Back声临奇境
Phantasmagoria

虽然在上世纪五六十年代就出现了声音艺术的概念，一批以约翰·凯奇（John Cage）为代表的艺术家致力于声音作为材料本身的探究而与视觉艺术区分独立存在，但由于人类内在情感的联觉，声音始终与影像、动画、表演等纠缠不清。随着社会数字化发展，读图时代来临，我们欣赏最美的音乐也终于不必完全依赖于耳朵了。尤其在依赖于科技的实验音乐和电子音乐领域，运用多媒体手段还可以打造出完美的浸入式观演场域，声音、画面齐头并进难分高下，最终，将我们淹没在奇幻异境之中。


八周年巡演上海站开始前，中国本土电子音乐厂牌Do hits的官方微博发布了一条郑重其事的公告：“不是蹦迪”。虽然当时也没有关于更多演出细节的透露，但随附的海报上赫赫写着三组表演搭档的名字：Jason Hou x Miao Jing, Howie Lee x Teom Chen, Alex Wang x ChillChill。

成立于2011年，从早期的系列派对到在线电台，再到数字音乐出版与视觉传播，一直走在国内音乐实验田地的Do Hits决定在今年涉足全新的表演形式——音乐人与视觉艺术搭档的联袂演出，共同打造声音影像现场。“现在这个表演模式是实验性的，还很难说已经成型了，但是随着经验丰富，我能更好地去设计整体的东西。”Do Hits创办人Howie Lee和我们说。

Howie Lee是国内电子音乐的标杆人物，他的音乐和视觉都受到中国地理和数字景观之间不断模糊的边界的驱动，是当下青年文化中颇具影响力的创意者。在他的主张下，这次演出几乎抛弃了舞池，三组视听搭档把观众的注意力完全拉回到台上。

上海站的巡演是在有巨大舞台和屏幕的VasLive瓦肆现场举行的，完全不同于以往经典的地下音乐派对，比如北京School酒吧和上海曾经的Shelter。随着Howie Lee开始放起自己的全新作品《明日不可待》（即将于今秋发行的全长录音室专辑中的主打曲），他的搭档，来自台北的模拟场景艺术家兼游戏设计师Teom Chen操控视频信号立即联动共振，通过现场演出录像、低保真网络小视频和游戏直播小窗口等这些取自当下生活场景的视觉素材的连环套用，将Howie Lee充斥着奇特东方审美根基的音乐可视化。这也是Howie Lee第一次把Teom和他编程世界带到舞台上，此前，Teom从未涉足过表演。

同样敢于尝新的还有声音艺术家、实验音乐人Zafka。八月底，刚结束了在深圳OCAT《声场》的演出就接受了我们的采访。“《声场》的沉浸式视听形式会是未来我希望探索更多的方向。33米长、5.5米高的夸张屏幕绝对加分音乐传达。”Zafka说。

有着社会学和人类学背景的Zafka对音乐创作的思考更为学术派和理论化，也更充满人文情怀。早期，他的作品多面向艺术界，探讨的是声音艺术，即主张尊重声音本体，重视主动聆听。在2015年由台湾艺术家姚大钧策展的“声音分裂系列展”中，他的声音装置作品《声虚》就把视频、文字，声音这些来自社交网络的碎片构置在一个黑箱剧场中，暴露出媒介普及化带给我们生活的丰富性和警示性。而随着近年来多媒体数字化的蓬勃发展，Zafka也开始把基于田野录音的创作转向未来将具有更多可能性的电子音乐和舞台视觉表演。这次在OCAT《声场》中就带来了他的“大平原系列”专辑视听演出，来回应在这高速流变的世界充满风险与机遇，而人和组织的状态为游牧的现实写照。

“OCAT表演”自2008年以来就是OCAT深圳馆的常设项目，旨在进行围绕戏剧、舞蹈、音乐和艺术的表演实践和文化交流。今年的表演项目《声场》以声音和视觉艺术相结合的演出形式为主，邀请了10组来自各地的视听艺术家，带来十件用不同的数字化手段呈现的视听作品，建构出一个巨大的声音场域，在198平方米的屏幕前完成一次关于视听艺术的试验。屏幕的两侧被略微折叠，试图覆盖听者的全部可视范围。在场馆中，你可以坐着、站着甚至是躺在作品里，以最舒适的姿态，体验一次真正意义上的“耳濡目染”。

“科技的进步使声音传播方式呈现出多元多样化是肯定的，视觉化的音乐只是其中的一个小高光。将音乐视觉化的的手段基于传播方式的不同和技术的不同也可以分很多种，比如实时和非实时的现场音乐视觉。作品能否得到认可与观众的聆听能力有很大的关系。”Zafka在谈及今天的声音艺术是否被归类进新媒体艺术的范畴时说道。

邵彦鹏，前称Dead J，是国内著名的电子音乐艺术家、作曲家和声音设计师，也是柏林Techno传奇厂牌Tresor Records签约的第一位中国艺术家。对于科技给音乐产业，尤其是音乐呈现形式上带来的巨变，他的看法截然不同：“目前时代就这样，视觉作为音乐现场的补充有点喧宾夺主了，我说的是一部分现场。这两年我更倾向于无视觉的音乐现场，对于音乐来说我更相信耳朵一点，观众能闭上眼睛听一听，别老惦记着发小视频。”

即便是与众多视觉和影像艺术家合作过，也正如其所说，邵彦鹏始终用自己对音符和节奏的精湛处理把音乐至于作品中极具主导力的位置，而并非给耐不住寂寞的视觉艺术配音。这对于没有歌词和人声唱作的电子音乐来说，难度放大。比如刚获得2019CMA唱工委最佳电子音乐专辑奖的全新Techno大碟《光衍Doppler Shift》，旨在用音乐表现“光”这一抽象概念。演出现场，邵彦鹏除了用极富想象力的声音排列营造出光影交互的律动感，借助艺术搭档王萌对更直白、更粗粝质感的舞台画面处理，用几何与线条的微妙关系强调音乐韵律的不停变幻，带给人更为强烈的听觉感受。此前邵彦鹏与王萌合作的实时影像“Shape of Sound” 也在现场表演中拓展了声音的维度。

还有与当代艺术家程然合作的《奇异之轨》，这是一只由程然编导、片长70分钟的电影作品，全片不设对白，以程然九小时巨制《奇迹寻踪》为蓝本，构想出三宗真实的离奇失踪事件。在M+与巴塞尔艺术展香港展会上，影片世界首映，邵彦鹏担当音乐制作并即场演奏原声配乐，勾勒出影像疑团，带领观众踏上奇异之旅。

纵观世界，音乐与视觉关系的探索，关于声音作为媒介本身的多元性、不可辨识性和争议性的讨论从未停止，一批“Audiovisual（视听艺术）”代表人物也因此涌现出来。日本前卫电子音乐制作人和视觉艺术家池田亮司就是其中之一。早在20多年前，他就使用正弦波、白噪音、干扰信号、高低频率等传统音乐外的元素制作声音，在电子音乐领域树立了先锋而锐利的风格。这之后，他又从声音向视觉发展，完成了一系列以数学、物理概念为名的多媒体作品。

《数据波场》（data.tron）是其代表作之一—— Datamatics（2006-至今）的一部分。去年，池田亮司个展：data.tron [WUXGA version] 作为第十二届上海双年展的官方城市项目之一在西岸油罐艺术中心呈现。这是一个多媒体视听装置作品，其中视觉图像里的每一个像素都严格按照数学原理计算生成，由纯数学和当今世界上海量的数据组成。这些图像被投射到大屏幕上，参观者完全沉浸其中，感受数据带来的纯粹冲击。这也被外界认为是极简主义理念在音乐中的延续和体现。

对于这种完全摒弃任何一种结构准则的跨学科创作模式，已经涉足过视觉动画和新媒体艺术的Howie Lee表示完全不担心别的什么其他元素会对音乐喧宾夺主，他认为视觉并不是辅助音乐，音乐也不是辅助视觉，两者在一起的时候，是在一起的整体，不在一起的时候，又有另外的呈现方式，都是完整的，也都是一种即将完成的过程。而对于为什么视觉艺术多在电子音乐领域产生交融，邵彦鹏则表示新媒体视觉艺术和电子音乐属于同时代产物，都是用电脑或科技设备制作，因为科技让更多的元素可以同频共振。

但无论如何，即使以“观看”为主的视觉艺术一直占据着艺术表现形式的主导地位，正如开篇所说，同位五感的“聆听”也由如难以捕捉的流水一样渗透在各种视觉思维的创作脉络之中，千变万化的声音元素也在不断地刺激艺术作品的多维构成方式，潜移默化地改写着当代艺术的整体面貌。

在心理学研究中，有一种心理现象被称为“联觉”，指对一种感觉器官的刺激可以引起其他感官的感觉，而每一个人的“联觉能力”也是不一样的。放在视听的情境中，就是对听音和画面联想的感受能力。“视”与“听”之间从来都是剪不断理还乱的复杂而微妙的关联。

随着新一代对个性的追求，形式主义也一再地被打破，无论是何种艺术形式，重要的是表达与传递。而至于是回归聆听还是实验为先，萝卜白菜各有所爱。